LEGION DE ANGELES
2010

       Hubo un tiempo allá por los comienzos de esta década en que la industria cinematográfica aprovechando que se acercaba la fecha de vencimiento que los mayas le daban a nuestro planeta, escupió a mansalva decenas de películas de tinte apocalíptico. Y ésta que hoy nos toca, parte de una premisa original; no es un cataclismo, ni una explosión solar ni un plan económico de Macri (parecía ciencia ficción en el 2012, cierto): la cosa viene del cielo. Pasó que Dios se hartó de la raza humana, decidió que le había llegado la hora y para eso decide enviar a sus ángeles para tamaña tarea. Pero hay uno que se rebela, el Arcángel Miguel, quien se muestra como un humanista a ultranza, capaz de ver solo la parte buena de los habitantes del globo terráqueo, y se lanza solito mi alma a defendernos. Para ello deberá permitir que un niño que está por nacer en el medio del desierto lo haga. Vos te preguntarás que tiene de especial este pibe para que venga un ángel a evitar que lo maten; yo también lo hice y cuando terminó la peli no encontré muchas respuestas. Es este abrevamiento en Terminator lo que constituye el punto más discutible ya que hay muchas similitudes entre ambas historias. También el transformar a los ángeles en zombies que atacan todos juntos sin noción de una estrategia de batalla, la carencia de un guión aceptable camuflada por el suspenso y la acción, la presentación clásica de personajes secundarios que irán desapareciendo de a uno y la extensa y poco disfrutable pelea final entre Miguel y Gabriel forman parte del lote de no pocos puntos flojos con los que cuenta Legión de ángeles.

Pero fijate vos lo que son las cosas. A mí me entretuvo. Y si evitás intelectualizarla dejando tu cerebro en un rincón, poniendo el alma en la pantalla y entregándote a su ritmo opresivo vos también la vas a pasar medianamente bien. Buscá críticas en la red y leerás que la gran mayoría le dio con un caño. Yo, tal vez benévolo, tal vez complaciente, la voy a bendecir. Será porque creo firmemente en Dios. Vaya a saber.

PESADILLA EN LA CALLE ELM 

2010

      Sabía que iba a sufrir ese decepcionante sentimiento cuando llegaran los títulos del final. Lo sabía. Pero igual la vi. Mejor dicho, la sufrí. Y llegó entonces ese fatídico momento en que sobrevoló mi resignado corazón, esa frase típica y deleznable que utilizan nuestros padres con el resultado negativo a la vista, habiéndote advertido sobre ello, a lo cual vos en un acto de soberbia no les habías dado bola: "¡Te lo dije!"

Wes Craven creó uno de esos personajes míticos que, a fuerza de aprobación masiva, se transforman en factorías y facturan y facturan hasta que quedan secos como una carilina en el desierto y pasan a ser irremediablemente desechables, ocupando un lugar en el tacho de basura de Hollywood, ante la inmisericorde mirada del productor de turno que piensa que otra fantástica figura nacida en la imaginación ajena pueda utilizar y destruir. Casi una metáfora sobre el mal uso que le damos al planeta. Y es que hace un tiempo largo que por los pagos del Norte no se les cae una idea nueva. Esta vez le tocó al pobre de Freddy Krueger.

En aquella A Nightmare on Elm Streetde 1984, había una buena historia, una narración efectiva, una base actoral (el consolidadoJohn Saxon, la promisoria Heather Langenkamp, el debut en la pantalla grande de Johnny Depp, la magnífica composición de Robert Englund) pero por sobre todas las cosas, un atrapante y poco utilizado concepto: ese de la sensación de inseguridad sobre la realidad o fantasía en el momento de vivir nuestros sueños.

Vos te preguntarás si vas a encontrar algo de todo lo que cité en esta innecesaria remake. Bueno: poco y nada. A la chatura del relato que provoca que no te preocupe en lo más mínimo lo que pueda sucederle a estos atribulados adolescentes, se le suma un distante y tradicional trámite interpretativo, únicamente roto por la inquietante (solo a veces) labor de Jackie Earle Haley en el rol del ahora pedófilo onírico hombre del suéter a rayas. A la estética videoclipera de Samuel Bayer se le agrega el uso exagerado de filtros, humo y una recargada fotografía que no permite diferenciar donde comienza o termina el mundo de los sueños.

El doble final ya a esta altura no sorprende a nadie y te podés retirar del cine 4 minutos antes sabiendo que el asesino va a aparecer aunque lo hayan reducido a polvo con una Juliana. Ah, y ese insoportable y ampuloso sonido que le ponen a un arma blanca, ya sea una peligrosísima espada o un inofensivo Tramontina... ¡¡Basta, por favor, basta!!

Lo triste de todo esto es que el hombre de la cara quemada tendrá otra denigrante secuela, miles de teenagers ávidos de sangre se harán eco de la propuesta, Michael Bay seguirá embolsando dólares y yo bajaré la película de la red. Y a pesar de lo que piense sobre ella, me sentaré en mi silloncito y la sufriré de punta a punta. Una verdadera pesadilla.

TIN MACHINE
Live: Iy, Vey, Baby
1992

       Quien aquí suscribe es bowista, bowiense o como la RAE quiera denominar (si aceptó alverja, por qué no podría llegar a crear un nuevo término como este). Y es que uno recorre muchísimas carreras pero en muy pocas encuentra alguien que realmente defina en forma real el significado de la palabra artista.

      Ataviados de traje negro y corbata, con un sonido visceral que anticipó al movimiento grunge por un par de años, Tin Machine fue la navaja que cortaba la piel suave del final de la década de aquellos poperos 80's. Un Bowie barbado y desaliñado, un guitarrista pirotécnico que alternaba distorsión y ruido de manera visceral (Reevees Gabrels) y dos hermanos con su bajo y batería cimentando en forma contundente la base de los temas (Tony y Hunt Sales) se encargaban de crispar los nervios del oyente medio desprevenido que buscaba referencias a Tonight o Let's Dance. La historia no duró mucho, de 1988 a 1992, ya que sus discos pasaron desapercibidos para el gran público a pesar de contar con buenos temas.

      Este que hoy comparto con ustedes es el epílogo de la banda, una obra con distintos registros en vivo resumiendo el material de sus dos discos anteriores. No es lo mejor de Tin Machine, si una excelente fotografía de la esencia de su propuesta y de lo que ofrecía en sus conciertos: experimentación, dureza, anarquía, improvisación, riesgo, desprolijidad.

 

      El comienzo con la descontracturada versión del tema de Brian Ferry del Roxy Music del 72 If There Is Something, lo que hubiera sido una balada en manos de otros deformada sónicamente en Amazing, la ultraacelerada perfomance de Under The God y la interminable Heaven's In Here son los puntos más destacados para que, si nunca los escuchaste, te des una idea cabal de lo que trata este período bisagra del David.

      Y la de Bowie es la de un ARTISTA con todas las letras. Siempre buscando innovar, adoptando un look diferente para cada ocasión y en muchas ocasiones, columpiándose desinteresadamente en un trapecio a 200 metros de altura y sin red. Como aquí, en este grupo que compartió con virtuales desconocidos y que determinó un cambio radical a lo presentado por el Duque Blanco hasta el momento.

CRANK, VENENO EN LA SANGRE

2006

      ¿Se acuerdan de Batman o de Jim West, esas series de los 60 en las que el héroe era sometido por el villano a las más inverosímiles trampas mortales, de las cuales escapaba siempre en el último instante? Bueno, de esa premisa parte Crank, veneno en la sangre, que comienza cuando al asesino a sueldo Chev, estando plácidamente dormido, en lugar de pegarle un balazo en la nuca y jubilarlo en forma permanente, su enemigo Verona le inyecta un poderoso veneno chino que lo matará lentamente. Chev descubre que el destilar adrenalina es lo que hace que no muera y parte entonces hacia la búsqueda de un posible antídoto y de venganza. Jason Statham pone su destreza física y su clásica cara de perro que le están por quitar el hueso, componiendo un personaje cercano al de su Mr. Monk en Tiro penal y la película transcurre vertiginosamente en sus…¡78 minutos! Justamente el vértigo narrativo y la adrenalínica puesta visual hacen que no deparemos en el detalle que no existe guión alguno, consiguiendo algo que muy pocas cintas del género consiguen: mantenerte en la butaca tenso y divertido sin oportunidad para el bostezo o la crítica (impagables los momentos en que Chev intenta conseguir la epifedrina y algunos duelos verbales entre él y Verona). En resumen, una buena peli, que tiene como principal virtud no tomarse en serio, lo que la transforma en un producto genuino y disfrutable.

UNA LOCA PELICULA EPICA
2007

       ¡Jajajaaja! ¡Qué buenos chistes! ¡Por favor, no puedo parar de reirme! ¡Jajjjajajjaj! ¡Esta película se va a seguir viendo por años y su humor seguirá siendo hilarante! ¡Jajajjajajjajajaja!... Disculpen, es que estoy viendo ¿Dónde está el piloto? y esta obra maestra de los Zucker-Abrahams-Zucker me tiene al borde de la lágrima. El trío fue el iniciador de más de dos décadas de sátiras a filmes malos exitosos y aunque vienen de capa caída con sus últimas realizaciones, siguen teniendo esa impronta que hacen que si no te reís, por lo menos vas a subir los músculos de la cara como señal de aprobación. 

Ah, perdón… ¿Una loca película épica?...No merece ni que le dediquemos un nanosegundo de nuestro tiempo. Jason Friedberg y Aaron Seltzer (directores y guionistas de este espanto) pensaron que por el solo hecho de ser judíos como los ZAZ iban a tener el don del humor que le fue otorgado al trío. Lo que consiguen es una recopilación de gagags (no, no es un error de ortografía, es que son gags del tiempo de mi abuela) que te llevan a la exasperación luego de haber transcurrido 2 minutos de los eternos 69 que dura esta ¿película? No existe cohesión ni continuidad alguna en la sucesión de films burlados por estos dos ladrones de guante blanco; si tenemos en cuenta que Airplane! era la mirada irónica sobre Aeropuerto, aquí la cantidad de películas utilizadas (Terror a bordo, Nacho libre, Charlie y la fábrica de chocolate, X-Men, Crónicas de Narnia, El código Da Vinci, Caracortada, Misión imposible, Superman, Harry Potter, Piratas del Caribe, Click y…Borat!!!!!!!!) hace imposible un hilo conductor. Y bueh, no digan que no les avisé. Cuando quieran hago un asadito en casa y de postre nos juntamos a ver la trilogía de La pistola desnuda.

TOMMY
1975

      Como algún cronista gráfico definió una vez "Tommy es a la vez la apoteosis y el apocalipsis del pop". La primera ópera rock de la historia de la música creada por Pete Townshend (viola y engranaje fundamental de The Who) obtuvo un magistral traslado a la pantalla grande de la mano de Ken Russell, quien quería desde hacía un tiempo filmar una película sobre sectas o aquellas religiones menores que fanatizaban a la gente. Obviamente que si sos muy pibe tal vez te choque un poco ya que estamos en presencia de una obra que responde a un género en el que el mensaje se manifestaba en complejas metáforas bañadas en LSD, convirtiéndose en una sátira a los mecanismos de formación de estrellas. La historia versa sobre un niño llamado Tommy (Barry Winch/Roger Daltrey) que sufre la muerte de su padre aviador (Robert Powell) en la segunda guerra mundial. El mismo que a los 6 añitos recibe un doble impacto: la visita inesperada de su progenitor quien no había fallecido y la muerte definitiva del mismo ante sus ojos por parte del amante de su madre (Oliver Reed). Ante el recurrente pedido de su madre (Ann Margret) y de Frank diciéndole "no lo viste, no lo oiste, no lo contarás" el pibe queda ciego, sordo y mudo. Partiendo de esta premisa ya te imaginarás que lo que viene no es de fácil comprensión pero abriendo la cabeza (sin componentes químicos externos) es absolutamente disfrutable y no te voy a anticipar nada más.

En el desarrollo de la película vamos a ver estrellas de la talla de Tina Turner (quien aquí ganó su popular mote de Acid Queen), Eric Clapton, Elton John y el bueno de Jack Nicholson. A mí, que recibí la alimentación de esa época me gusto muchísimo, pero la calificación queda abierta y con reservas ante la mirada diferente de cada una de las generaciones que puede verla.

POLICIAS EN ACCION
Canal 13

       Antes que digan nada, aviso que soy fan incondicional de este programa. Me fascina la estética de comic de las presentaciones de cada bloque, los pícaros títulos de los mismos, la mirada de voyeur a un sector de la sociedad (generalmente marginal o de escasos recursos) que tiene una forma de vida diferente a la mía y que en sus diálogos y costumbres uno aprende a conocer y a entender. Ultimamente se está volcando más al aspecto social, alejándose de la labor de los azules, con historias que ocupan casi la mitad del envío y que hablan de la discriminación, los cartoneros y hasta de la comunidad gay. Obvio que están esas pequeñas viñetas casi documentales por las cuales desfilan los borrachos nocturnos, los vecinos en conflicto, el tordeo y el delincuente que tiene un speech tan elocuente que capaz que te convence que es inocente y que es monaguillo en la Basílica de Luján. Los detractores seguramente aducirán que esta que se muestra no es la verdadera fuerza policial, inmersa en las coimas, las zonas liberadas, el maltrato físico y psicológico y el gatillo fácil. Señores, a ellos les digo que no desconozco todo eso y que lo que analizo y disfruto es un programa de televisión; la justicia será la encargada de regular lo otro. El vértigo onda "Soldado Ryan" de la cámara y los jugosos diálogos con el misterioso encuestador (al cual sólo se escucha la voz, ubicándonos en la escena a los televidentes como protagonistas de la misma) hacen que los jueves anule el teléfono, me lleve al sillón una bebida espirituosa y pida no ser molestado ni por Maradona. Bueno, si viene él, a lo mejor lo atiendo. 

ROCKY BALBOA
2006

       Estoy viajando por Buenos Aires, tengo que hacer tiempo, me meto en un cine no para pensar sino para pasar el rato. A la salida me pregunto...¿Era necesaria la realización de una sexta entrega de Rocky? ¿Tan mal le está yendo a Silvestre con su cadena de restaurantes para tener que salir con sus 60 años a cuestas a mostrar sus pectorales chuzos en un ring? En sí, la película no es lo que esperaba (un bodrio irrecuperable); es más, supera holgadamente a un par de sus antecesoras en la saga, sobre todo a ese engendro pro-imperialista que fue Rocky IV. Aparte incursiona con éxito en varios géneros: en la comedia, cuando quiere convencer a nosotros y a los jueces que le otorguen nuevamente el permiso para volver a boxear; en el drama, cuando a pedido del director de fotografía, se planta en planos generales vistosos y laaaaaaaargos; en el policial, cuando nos preguntamos como no cayó en cana por haber escrito un guión que bien lo podría haber escrito su nietito que cursa el pre-escolar y, en la ciencia ficción, cuando su oponente le clava mas de 156 cross y uppercats y él sigue en pie, cuando un ser humano promedio solo toleraría 5 golpes de esos antes de adelantar su servicio fúnebre. 

En fin, a no desesperar, y a tener paciencia que ya lo tendremos a Stallone en Rambo 4, luchando contra un piquete de jubilados iraníes que le reclaman a Bush un aumento en sus haberes. 

THE ALAN PARSONS PROJECT
Eye In The Sky
1981

       Dueño de un sonido que lo identifica instantáneamente en el momento en que escuchás uno de sus temas, Alan Parsons junto a su socio Eric Woolfson y músicos de primera línea, realizan este disco que para mi cierra una etapa de esplendor creativo de la dupla que lideraba el proyecto y que llegó a su pico máximo con The Turn Of A Friendly Card. De allí en más, las maravillosas y logradas composiciones se transformaron en comunes y su inconfundible y original sello pasó a ser el clásico standard de producciones de música con orientación para adultos. Este disco con el Ojo de Horus dorado en la tapa, tiene temas que si superaste los 40 segurísimo alguna vez habrás escuchado en la radio y se te quedaron en el cerebelo (el tecno Mammagamma, el pop Eye In The Sky, el saxo de Old And Wise). Si nunca abordaste al viejo Alan, este disco puede ser un acertado comienzo para conocerlo.